Peter Dreher

1972 entstand ein erstes einzelnes Bild vom Glas. Seit 1974 entstehen jedes Jahr mindestens 50 Bilder, die ein leeres Wasserglas auf weißer Tischfläche vor weißem Hintergrund zeigen. Das gemalte Glas ist in natürlicher Größe im Bild. Die äußeren Verhältnisse, wie Beleuchtung, Entfernungen, Bildformat bleiben unverändert.
Seit Beginn von "Tag um Tag guter Tag" mußte kein Bild verworfen, abgekratzt, übermalt oder ausgeschieden werden.

Das Bild der Realität ist wieder ins Bild zurückgekehrt. Aber anders, als wir vermuteten und auch anders als viele es wünschten. Wir sehen die Welt nüchterner als die Pop Art und emotionaler als die Fotorealisten. Daran mag die Kritik der "Engagierten" mitgewirkt haben und das nostalgische Bedürfnis, sich einer immer perfekteren und funktionaleren Verplanung des Lebens zu entziehen. Bei aller Kritik, Infragestellung und Auflösung vorhandener Strukturen war etwas aus dem Blickfeld geraten, das gleichwohl nur über das Auge auf uns wirken konnte: die Schönheit. Wenn die Schönheit schon in der Kunst - aus welchen Grunden auch immer - abhanden gekommen war, so doch nicht das Bedürfnis nach ihr. Mitten in den lauten und belehrenden Auseinandersetzungen, den immer dürrer werdenden gedankiichen Konzepten entstand der Wunsch nach WirkIichkeit, die nicht interpretiert, verfälscht und genutzt wurde, die war, wie sie eben war, und die gerade in diesem Bei-sich-sein die Identität wiederfand, die Schönheit ist. Monet hat sie entdeckt, auf Morandi fiel sie wie ein letzter Schein und ganz zaghaft kehrt sie nun zurück in den Tortenstücken von Wayne Thiebaud etwa, die gemalt sind, in den Fotoserien von Jan Dibbets oder den Bildern von Gerd Richter. Dieser Schönheit fehlt freilich der alte Glanz, dafür ist sie aber ganz von dieser Welt. In weiterem Sinne ist auch das Werk von Peter Dreher dieser Bewegung zuzurechnen. Das Einzelbild - er malte kleine, weiche Landschaften - genügte ihm nicht. Er wollte mehr Wirkiichkeit einfangen, als sie ein einziges Bild repräsentierte, und so malte er dasselbe Motiv immer wieder zu den verschiedensten Tageszeiten aus den unterschiediichsten Blickwinkeln oder aber auch wie etwa die Glasserie, gerade unter denselben Bedingungen. Je genauer Dreher das Glas wiederzugeben versuchte, um so mehr unterschied sich eins vom anderen. In solchen malerischen Exerzitien weist er nach, daß kein Seheindruck wiederholbar oder zu multiplizieren ist, sondern immer wieder und unter ganz neuen Bedingungen geleistet werden muß. Dreher interessiert nicht - wie den Kubismus - die Darstellung eines dreidimensionalen Gegenstandes auf einer Fläche, sondern seine Übersetzung in einen zeitlichen Betrachtungsvorgang.
 

Kein Bild ist die Wiederholung eines vorhergehenden, sondern bei völliger Zurückhaltung jeder kontrollierbaren persönlichen Regung des Malers - eine Neuformulierung.
In der Reihe wird der gleichbleibende Bildgegenstand selbst unwichtig und schließlich so völlig entwertet, dass nur die Malerei bleibt, die in der Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit ihre eigenen Möglichkeiten, ihre Mittel und Wirkungsweisen anschaulich untersucht und zugleich darstellt.

Wenn Peter Dreher in seinem großen, offenen Malereiprojekt "Tag um Tag guter Tag" sich immer wieder dem Malen des einen leeren Trinkglases zuwendet, so wendet er sich immer wieder auch sich selbst zu. Das leere Glas ist Spiegel der Ansprüche der eigenen Bedürftigkeit, gleichzeitig kann es jedoch auch zum Projektionsschirm eines Welterlebens werden, das im Streben nach Gelassenheit sich immer wieder auf seine Vielfältigkeit und seine innere Konsistenz hin beobachtet.

Zahlt sich Drehers Verzicht auf Abwechslung aus? In einer seltsam stillen Weise, ja. Jedes der Bilder vom Wasserglas ist gemalt mit einem feinen Gefühl und einer sensiblen Beachtung der geringsten Veränderungen des Lichts und der Perspektive. Von einem zum nächsten schauend, wird man eingestimmt in Nuancen der Wahrnehmung und der Malerei, und man kann nachvollziehen, dass für den Künstler die Produktion jedes Bildes ein Ritual Zen-artiger Zuwendung ist.
 

Monet oder Warhol wollten, ebenso wie eher traditionelle Maler, eine neue Sehweise finden durch das Bildermachen. Drehers Bilder vom Glas sind eine außergewöhnliche Huldigung an das Machen selbst. Er muß die Malerei lieben, das bloße Hervorbringen, um diese Serie am Laufen zu halten. Aber am Ende fasziniert es mehr, über sie nachzudenken, als sie anzuschauen.
 

Dieses Werk bezieht seinen formalen Ausdruck aus einer absichtsfreien Themenwahl. Dreher hat ein Konzept gefunden, das eine zufällige Entscheidung überführt in eine Methode, die es ermöglicht, Kunst zu machen, die sowohl das Auge als auch den Verstand einnimmt.
 

Mit diesen Zeichnungen stellt Peter Dreher eine Verwandtschaft her zwischen Zeichnen und Wandern. Beide Tätigkeiten sind repetitiv und beide versetzen scheinbar gleiche visuelle Daten in unendlich viele verschiedene Wirklichkeiten. Drehers Malerpraxis handelt immer von unendlichen Wiederholungen und Variationen einiger weniger Themen. Sein Hauptinteresse gilt dem täglichen Malen eines Wasserglases, welches Vorgehen die Vielfalt im Vertrauten deutlich macht.
 

Seine Bilder sind auf den ersten Blick beinahe programmatisch gegenständlich, aber zugleich haben sie, meist von kleiner Abmessung, eine Eindringlichkeit, die über das Gewohnte weit hinausgeht. Mit unendlicher Beharrlichkeit vermag er einfache Tatbestände hundertfach akribisch abzuwandeln, ohne das auch nur Spuren einer gestalterischen Ermüdung auftreten.

Oben im Schwarzwald

Schwarzgrüne Hügel im milden Wellen. Das Licht zeichnet die Silhouette weich. Tiefer Horizont und viel Himmel über ihm. Der Maler und die Staffelei und das kleine, heftgroße Bild auf ihr: Schwarzgrüne Hügel in milden Wellen. Das Licht zeichnet die Silhouette weich. Tiefer Horizont und viel Himmel über ihm. Man kann Peter Dreher über die Schultern schauen bei der Arbeit.

Der Schwarzwald-Tourist

Er sieht den Mann beim Malgeschäft. Dann weiß der Schwarzwald-Tourist alles. Meint, darf meinen, dass er alles weiß. Die Szene, der er begegnet, ist gut dokumentiert. Malen unter freiem Himmel: reich belegt in der Kunstgeschichte, die der Schwarzwald-Tourist abruft. Peter Dreher, ein Landschaftsmaler? Peter Dreher, ein Freilichtmaler? Der Schwarzwald-Tourist kann nicht wissen, dass der Mann beim Malgeschäft immer an der gleichen Stelle sitzt. Dass er seine Mal-Instrumente penibel ausgerichtet hat auf den immer gleichen Landschaftsausschnitt.

Unten in Freiburg

An der Universitätsbibliothek stand der Maler Tag um Tag und hat sich Tag um Tag an die Betonwände gemalt. Mit kümmerlichen Stellwänden kaum abgeschirmt vor nicht immer feinsinniger Neugier. Die Passanten reagierten betroffen. Oder mit jenem Zorn, der immer dann aufsteigt, wenn einer gegen eherne Schamgesetze verstößt. Darf man denn so etwas? Geht der intime Akt malerischer Selbstbefragung die öffentlichkeit überhaupt etwas an? Peter Dreher, ein eitler Selbstdarsteller? Die Passanten haben es nicht wissen, nur fühlen können, dass da nicht einer steht, der den öffentlichen Auftritt sucht, der ihn genießt. Dass sich da einer gestellt hat ­ einer Aufgabe. Das hat mit Erproben zu tun, mit Durchhalten, mit Disziplin, mit Widerstandkraft. Peter Dreher setzt sich aus.

Im Atelier

Warum er denn in der Grafik ausgerechnet die Radierung gewählt habe. Warum er nicht die weichere Lithografie verwende, die doch ohnehin seinen weichen Motiven viel eher entspreche. Er brauche, sagt Peter Dreher, den Widerstand des Materials. Er wolle es spüren, in der Hand, wie die Nadel gegen die Platte angeht. Peter Dreher setzt sich ein.

Was der Maler malt

Landschaft. Sich selbst. Ein Glas. Die Mickymaus. Das Wort "Glück". Zum Beispiel. Ein Idee von Malerei lässt sich den Bildgegenständen nicht abgewinnen. Addiert man die Motive, ergibt sich ein Kanon ohne deutliche Grenzen. Eine Bildwelt jedenfalls nicht. Was nicht heißt, dass das Werk aus der Beliebigkeit, aus dem Zufall heraus wächst. Es ist Auffälliges da, Verbindendes: Die Ansichten wirken still, der Bewegungsablauf dieser Malerei gibt sich zuweilen bestürzend undramatisch, die Dinge sind unheraldsich ins Bild gesetzt, Figuren kommen nicht vor, Lebendiges selten. In nobler Gleichgültigkeit, so hat es den Anschein, übergeht die Malerei ihre Malgegenstände.

Der Realist

Dazwischen malt Peter Dreher ein gegenstandsloses Bild. Wenn Realist sein bedeutet: ein Programm haben, einen Entwurf vorlegen, ein Thema ausbreiten ­ dann ist Peter Dreher ein chaotischer Realist. Dem Realisten Peter Dreher kann es nicht um die Realität Landschaft gehen, nicht um die Realität Glas. Sonst müsste er Landschaften malen und Gläser. Aber nicht immer die Landschaft und das eine Glas.

Wie der Maler malt

Peter Dreher malt ausdauernd. Er malt nicht eine Landschaft und ein Glas und einmal sich. Sondern immer wieder, immer wieder dies, immer wieder so. Immer wieder die gleiche Einstellung. Da ist Geduld dabei und Hartnäckigkeit: Landschaftsausschnitt um Landschaftsausschnitt, Glas um Glas, Selbstporträt um Selbstporträt. Der Gegenstand zum Stereotyp beschnitten. Das macht ihn uninteressant, nimmt ihm alle auf ihn bezogene Aussagekraft. Das Glas gibt keine Information preis, sagt nicht mehr von sich, je häufiger es wiederholt wird. Im Gegenteil. Je häufiger es wiederholt wird, sagt es immer weniger von sich. Bis es nur noch von der Malerei spricht, die es ist.

Wirklichkeit

Was will Peter Dreher beweisen? Dass die Aneignung von Wirklichkeit, wie sie im Wahrnehmungsakt geschieht, immer nur mangelhaft geschieht. Was im Augenblick gilt, gilt im nächsten Augenblick nicht mehr. Peter Dreher malt sinnfällig, anschaulich, was auf den Begriff gebracht so lauten müsste: Die Wirklichkeit des Abgebildeten ist noch keine Garantie für einen dauerhaften Besitz von Wirklichkeit, weil die Wirklichkeit der Abbildung, in die die vielen Unvorhersehbarkeiten des abgebildeten Subjekts eingeflossen sind, eben nicht identisch ist mit der Wirklichkeit des Abgebildeten. Der Maler Peter Dreher beweist nichts, erläutert nichts, erklärt nichts.

Die Haltung

Malen ist für Peter Dreher Haltung. Intransitive Arbeit. Kunst und Leben kreuzen sich. Das Kunstgesetz ist auch das Lebensgesetz: "Ich habe morgens angefangen mit einem Bild, auf das ich das Wort "Glück" geschrieben habe; dann habe ich ein gegenstandsloses Bild gemalt; am Nachmittag habe ich dann ein Bild gemalt, auf dem ich eine Vorlage aus dem Micky-Maus-Heft übernommen habe, und am Abend habe ich dann das Glas gemalt." So beschreibt Peter den Atelierstag. Malen als Selbsterfahrung. Erlebnis der Schwäche und der Stärke. Jedes Bild, das Peter Dreher malt, ist ein Selbstporträt. Es berichtet schonungslos von der Tagesform des Autors, von seiner Bereitschaft zum Einsatz, von Unzufriedenheit und vom Scheitern, von Hoffnung, Intensität und Stimmung. Ein mönchisches Ritual ist dieses Malen und die sehr friedliche, nie großartige Lust am mönchischen Ritual. Ich male, also bin ich.
 

Gläsernes Exerzitium

Bild an Bild, Glas an Glas: Peter Dreher in Freiburg

Im momentanen Kunstbetrieb mit seiner gefräßigen Bildersüchtigkeit, seinem unstillbaren Bedürfnis nach spektakulären Großereignissen und sensationellen Zeitgeist-Neuheiten, wirkt Peter Dreher wie ein Relikt aus einer anderen Zeit. Der Freiburger Maler und Professor an der Kunstakademie Karlsruhe, an deren Freiburger Dépendance er seit 1965 unterrichtet, betreibt seine Kunst auch heute noch so, als gäbe es das ganze eitel aufgeplusterte Getöse um ihn herum nicht: als ein von allen äußerlichkeiten entschlacktes, fas mönchisches Exerzitium, das seine Maßstäbe nur an und aus sich selbst gewinnt. über die Jahre hinweg hat er sein thematisch ohnehin nicht allzu breites Oeuvre immer mehr auf einen zentralen Punkt verdichtet. Auf die Frage nach dem Wesen der Wirklichkeit und die überlegung, was die Malerei zu ihrer Ergründung heut noch leisten kann. Die Produktion in Serien ist für den achtundfünfzigjährigen, in Mannheim geborenen Künstler dabei zur bevorzugten Malhaltung geworden. Keines seiner Gläser, Tassen oder Wolkenformationen existiert als einzigartiges, unwiederholbares Einzelstück. Ihre Wirklichkeit behaupten diese Bilder immer nur in einer Form der Vervielfältigung, die darum weiß, dass sie nicht das Wesen der Realität fixiert, sondern allenfalls ihren flüchtigen, ständig wechselnden subjektiven Schein. In ganz besonders eindrücklicher Weise zeigt sich das an seiner Gläser-Serie "Tag um Tag ist guter Tag", die zur Zeit in einer groß angelegten Ausstellung im Freiburger Museum für Neue Kunst zu sehen ist. Die Gläser begleiten Peter Dreher bereits seit 1974. Damals begann der ehemalige Schüler von Wilhelm Schnarrenberger und Karl Hubbuch mit einer kleinformatigen Reihe, die immer das gleiche, exakt realistisch gemalte Mostglas vor helltonigem Hintergrund zum Gegenstand hatte. Ursprünglich sollte diese Serie nur einige wenige Bilder umfassen, um, wie er es selbst formuliert, zu zeigen, "dass es nicht nötig ist, das Motiv zu wechseln, um zum Malen angeregt zu werden". Aus der geplanten Etude ist mittlerweile ein Lebenswerk geworden. Annähernd tausend dieser schlichten Trinkgefäße hat er in den letzten sechzehn Jahren unter stets gleich bleibenden Bedingungen gemalt, und ein Ende ist nicht abzusehen: Immer dasselbe Glas in derselben Position, abends zur gleichen Uhrzeit bei künstlichem Licht. Rund fünfhundert dieser akkuraten Glasstudien sind in Freiburg ausgestellt, als Bilderfries, der in Augenhöhe durch die Museumsräume läuft und sich am Ende wieder mit seinem Anfang trifft: Bild an Bild, Glas an Glas, eine Endlosschleife, in der die Zeit stillzustehen scheint und von der Vielfalt der Welt nur ein banaler, dazu noch leerer, gläserner Rest bleibt. Harter Stoff für unsere reizüberfluteten Betrachteraugen, die an schnellen Wechsel und ständige überraschungen gewöhnt sind. Dem eiligen, auf die Permanenz der Abwechslung konditionierten, modernen Blick bietet dieser Bilderfries denn auch nichts: Kein herausragendes Meisterwerk, keinen persönlichen Stil, keine Unterbrechung seiner augenscheinlichen Monotonie. Ihre tiefe und anhaltende Faszination enthüllt diese zerbrechliche Welt nur demjenigen, der zu ihrer Betrachtung das gleiche Maß an meditativer Konzentration aufbringt, die Peter Dreher bei der Herstellung seiner Kleinformate verwendet. Die "Entdeckung der Langsamkeit" als Bedingung für eine geglückte Wahrnehmung . Sicherlich schwingt da ein didaktischer Ton mit, der sich in Verbindung mit Drehers Tätigkeit als Akademielehrer bringen lässt. Einen erhobenen Zeigefinger spürt man freilich dabei nicht. Wir haben immer die freie Wahl, sein Wahrnehmungsangebot anzunehmen oder abzulehnen. Wer sich darauf einlässt, geht allerdings auch ein Wagnis ein. Denn er erlebt nicht die Wiederkehr des Immergleichen, die, im Gestus der malerischen Wiederholung, die verlässliche Darstellbarkeit der Welt bestätigt, sondern genau das Gegenteil: Die Unmöglichkeit der Wiederkehr der Wirklichkeit im Bild, die unaufhebbare Differenz zwischen Abbild und Abgebildetem. Was im Schnelldurchgang wie die fünfhundertfache identische Reproduktion des immer gleichen Glases aussieht, ist in Wahrheit eine Auflösung des realen Gegenstandes in fünfhundert verschiedene künstlerische Vor-stellungen, deren Summe nicht die Wirklichkeit spiegelt, sondern allein den subjektiven Blick, den der Künstler darauf wirft. Im Verlauf der Jahre erscheint das Glas mit einer geradezu chamäleonartigen Verwandlungskraft begabt: Am Anfang steht es hell, milchig und fast opak im Bildzentrum, in den frühen achtziger Jahren verschattet es sich in ein rötlich-violettes Dunkel und zeigt sich inzwischen in einer Atmosphäre harter, nüchterner Klarheit. Bisweilen wirkt es wie ein schwerer, kompakter Glasblock, dann wieder quasi entkörpert, schwebend. Mal explodieren weißlich-blaue Salven von Lichtreflexen auf dem Glasboden, dann wieder zeigt es sich völlig eisig und unbewegt. Der besondere Reiz des Dreherschen Experiments liegt darin, dass diese subjektiven "Störungen" sozusagen "gegen den Willen" des Malers ihre Spur im Bild hinterlassen haben. Denn sein Anliegen, das sich auch an den stets gleich bleibenden "objektiven" Rahmenbedingungen seiner Versuchsanordnung ablesen ässt, beschränkt sich ja immer auf den Vorsatz: "den Gegenstand exakt darzustellen, nichts hinzuzufügen oder weg zu lassen". Was sich diesen Bildern an Veränderungen einschreibt, ist also eine Art "écriture automatique" des Unbewussten, die gerade, weil der Maler keinen Einfluss auf sie hat, nur um so deutlicher zeigt, wie unüberbrückbar tief der Graben zwischen der Wirklichkeit und den Bildern geworden ist.
 

Und immer wieder ein zylindrisches Glas

Vielfältige Brechungen des Realen: eine Retrospektive der Werke von Peter Dreher in Karlsruhe

Wie Kacheln überziehen in acht Reihen etwa neunhundert kleine Bilder im gleichen Format die Wände des zentralen Ausstellungsraumes im Badischen Kunstverein in Karlsruhe. Im Jahr 1974 hatte der Maler Peter Dreher, der als Professor die Außenstelle der Karlsruher Kunstakademie in Freiburg leitet, begonnen, ein Glas zu malen. Er setzt es bis heute fort. Aus jedem Jahr fünfzig Beispiele summieren sich zu einer unendlich scheinenden Aneinanderreihung des gleichen Motivs, das anfänglich auf Malpappe, dann auf Leinwand realisiert wurde. Ein hohes zylindrisches Glas ist auf eine Fläche gestellt, die einen Horizont bildet. Das wechselnde Licht und seine Reflexe, die Spiegelungen, die fragmentarisch im gläsernen Innenraum oder auf der Außenhaut ein Stück der umgebenden Realität brechen, erfahren subtile Veränderungen. Es ist das ähnliche, aber niemals Gleiche, das Licht, das sich nicht wiederholt, aber auch ein wenig von der subjektiven Befindlichkeit des Malers, die Eingang finden. Als dies führt zu Verrätselungen der Erscheinungen und animiert das Auge kleine Unterschiede zu ergründen. Es ist eine endlose Arbeit, die klärt, in der stetig wachsenden Anzahl aber auch immer stärker irritiert, so genau der Blick auch sucht und an den minimalen Unterschieden, den Tönungen und Reflexen, Halt findet. Es sind Valeurs in Grau und im Erdigen, leichte Verschiebungen des als wirklich Genommenen, die in der Vielzahl eine Metaphysik des Gegenstandes schaffen. Man entdeckt schnell, dass das immer gleiche Gefäß und das gleiche Format Bühne sind für eine forschende Untersuchung und nicht nur manisch durchgehaltenes Konzept oder fixe Idee. Die schürfende Spur des Pinsels, die tonige Palette , das Sujet des bildnerischen Interesses schaffen stets aufs Neue eine Verunsicherung, die im Bild Gewissheit wird. "Tag um Tag ist guter Tag", nennt Peter Dreher dieses Lebenswerk, in dem er den vielfältigen Brechungen des Realen nachspürt. Auch in der Menge verliert das einzelne Nichts an malerischer Delikatesse, konzeptuelle Intelligenz und dinghafter Präsenz. Natürlich ist die Anzahl der Bilder wichtig und unübersehbar. Doch der Betrachter ist aufgefordert, immer wieder von neuem die Annäherung an das einzelne Bild zu versuchen, es aus sich selbst heraus zu ergründen. Das Unterfangen ist kein reproduktiver Prozess, sondern Erkenntnis des Einmaligen und Unwiederholbaren. Die vom Maler bestimmten Spielregeln führen zur Erfahrung eines differierenden Sehens und deren anschaulich gewordener Gestalt. In dieser Bild gewordenen Autobiografie wird die Malerei in ihren Möglichkeiten und Veränderungen, in ihren Feinheiten und in ihren unterschiedlichen Konditionen erprobt. Es findet nicht nur eine Selbstvergewisserung des Malers statt, sondern auch die des Mediums. So ist ein Lehrgang der "Schule des Sehens" entstanden, Raum füllend und von hoher malerischer Qualität, der dem Gegenständlichen eine ungewöhnliche intellektuelle Stringenz verleiht. Angesichts des quantitativen und qualitativen Reichtums dieser Tafeln, die als Raumensemble eine unwiderstehliche Suggestion entwickeln, kommt einem nebenher auch der Gedanke an die mutlose Konformität deutscher Museumssammlungen. Warum hat sich eigentlich bisher kein einziges deutsches Museum diese Installation gesichert, um einen gewichtigen und eigenen Akzent zu setzen und eine überzeugende Vergegenwärtigung "realistischer Malerei" vorzuführen, die eine spannende Auseinandersetzung mit konzeptuellen Ideen, die Wirkung des Abbildes, dem Sehen schlechthin darstellt? Der Raum mit den Miniaturen von "Tag für Tag ist guter Tag" ist der Mittelpunkt der Karlsruher Ausstellung. Doch der Badische Kunstverein geht in dieser Retrospektive zurück bis ins Jahr 1948. Die Schau setzt ein mit einem Fischstillleben des gerade Sechzehnjährigen. Dreher studierte an der Akademie der bildenden Künste in Karlsruhe bei Karl Hubbuch, Wilhelm Schnarrenberger und Erich Heckel. Diese Maler bestimmten seine Anfänge und haben eine tiefe Prägung hinterlassen. Ding und Landschaft sind die dominierenden Themen, selten Figuren wie in dem "Akrobaten"-Bild von 1957 oder den "Fahrradfahrern" von 1964. Die Stofflichkeit der Oberfläche, das Interesse, aus einer trocken wirkenden Farbe graduelle Effekte zu erzielen, eine Lebendigkeit der Struktur zu erreichen und dem Bild Licht als Leben zu gewinnen, zeichnet schon die frühen Werke aus, auch wenn die Sujets in ihrer Dinglichkeit zunächst isoliert und objektiviert erscheinen. In den siebziger Jahren wagt sich Dreher an Landschaftsbilder. In den Darstellungen des Hochschwarzwaldes umgeht der Maler die Klippen romantischer Süßlichkeit, indem er das Bild parzelliert und die Landschaft in mehrfachen Wiederholungen durch eine veränderte Färbung des Lichts verwandelt. Es entsteht eine atmosphärische Verdichtung, in der das Geschmackvolle oder gar Geschmäcklerische im scheinbar Faktischen des Abbilds zerbricht. Räumliche Staffelungen, wo Hügelkette sich hinter Hügelkette legt und ein diffuser Raum entsteht, so als ob der Gegenstand in weite Ferne entweicht, geben dem Bild das Spezifische eines Augenblicks von unendlicher Dauer. Die Einmaligkeit und Schönheit eines naturhaften Moments sind für Dreher keine Tabus. Sinnlichkeit der Darstellung und bildnerische Intelligenz machen eine überzeugende Anverwandlung möglich. "Der Nachmittagshimmel im Hochschwarzwald" von 1976 ­ zweimal dreißigteilig und einmal zweiunddreißigteilig ­ belegen dies auf besonders überzeugende Weise. Ganzheit und Fragment oder Ausschnitt werden von Peter Dreher leichthändig als Kunstgriffe genutzt. Hinzu kommt ein instinktives Gespür für atmosphärische Veränderungen des Lichts. Diese verändern die Erscheinung vollständig wie etwa in den ansichten von "San Salvatore" von 1974. Zunächst erhebt sich die Insel schemenhaft im morgendlichen Dunst aus dem Meer, gewinnt mehr und mehr Kontur; am Tage präsentiert sie sich mit scharfer Silhouette, um schließlich, von Lampen erleuchtet, als Kranz im Dunkeln zu versinken. Die in Sequenzen erfassten Zustände sind wie zu einem Film zusammengefügt. Sie dokumentieren neben der Empfindung und Intelligenz des Auges auch die Sensibilität einer realistischen Aneignung, die das Besondere selbst noch im Gewohnten und Banalen entdeckt. Der Standpunkt des Malers bestimmt das Bild, etwa in den beiden Werken "Venedig, Palazzo Mula" und "Venedig von hinten", jeweils 1975 entstanden. Peter Dreher gelingen Vergewisserungen seiner Umgebungen. Ob auf Reisen in Italien, Frankreich oder in New York, ob in Freiburg oder im Schwarzwald, stets findet er seinen Ort im Bild. Das reicht bis zu scheinbar ironisierenden Darstellungen einer Puppe im dem "Großen amerikanischen Stillleben ­ Doll" von 1981 oder den nicht frei von Komik bleibenden "30 Versuchen, im Frühjahr 1979 die Mickey Mouse zu malen". Doch es ist nie ironische Distanz, die in Abwehr aufgeht, sondern Anteilnahme, die verbunden ist mit malerischer Neugier. Dafür gibt es in der Ausstellung zahlreiche Beispiele: den "Bilder-Speicher" von 1988/89 mit angeschnittenen Porträts, Figuren und Gegenständen, das Raster des mittig gesetzten Wortes "Bild" oder die zu einer neuen Ganzheit zusammengesetzten Zitate aus Bildern unterschiedlicher Autoren. Peter Dreher schreibt selbst im Katalog über die abschießende Serie der Ausstellung "Das Großplakat in Aquarellen", eine Arbeit, die zwischen 1988 und 1993 entstand: "Voraussetzung für das Malen der Reihe "Tag um Tag ist guter Tag" ist Ruhe und Abgeschlossenheit. Ist die nicht gegeben, gibt es andere Malanlässe, zum Beispiel Blumen, zum Beispiel ein Plakat, zum Beispiel schöne Bilder, zum Beispiel die Aquarelltechnik, zum Beispiel das Wohlgefallen des Betrachters, zum Beispiel den Zauber des lauten Alltäglichen." Ein Großplakat des deutschen Blumenhandels war Auslöser für den Künstler dieses in 84 einzelne Aquarelle umzusetzen. Das Plakat wurde in Parzellen aufgeteilt und so dessen gegenständliche Direktheit aufgehoben. Durch Fragmentierung wurde ein Grad der Abstraktion sichtbar gemacht. Es ist reine Abstraktion des Details, das in sich realistisch bleibt. Mit technischer Bravour findet hier das Plakative und Auffordernde der Werbung eine Umsetzung ins Künstlerische ­ vorausgesetzt man kann es wie Peter Dreher.
 

Während seines Studiums an der Karlsruher Kunstakademie übernahm Peter Dreher die figurative Malerei, wenn er auch die Strömungen der Nachkriegskunst wahrgenommen hatte, vor allem jene Deutschlands - von Sigmar Polkes kapitalistischem Realismus über Gerhard Richters Fotomalerei bis hin zu Martin Kippenberger und dem Neuen Wilden Jörg Immendorff - er vertraute auf die klassische Umsicht und Unmittelbarkeit der mimetischen Funktion des künstlerischen Nachvollzugs. Als Professor an der gleichen Akademie, an der er schon studiert hatte, beeinflusste er viele Studenten, einschließlich Anselm Kiefer, fand seinen malerischen Ethos in vorderster Front wieder, beispielsweise in der Leipziger Schule. Ohne seine künstlerischen Werte aufzugeben, vereinigte Dreher in seinem Werk Elemente des Minimalismus, der Konzeptkunst und der Pop Art. Seine Sujets - Stillleben, Familienporträts, Schwarzwaldlandschaften - häufig in Form einer Serie, entweder in chronologischer Abfolge bzw. in Einzelbilder aufgeteilt, sind nicht bloße Aneignungen und Abbildungen der Wirklichkeit, sondern vielmehr ein Neuerschaffung derselben. Auf diese Weise wird Malerei zu einem wahren Refugium für seine Seele. Seit 1974, seine übrigen Arbeiten begleitend, malt Peter Dreher beinahe täglich das gleiche Sujet: ein Wasserglas vor einer weißen Wand. Ein Fenster reflektiert sich auf der Glasfläche. Das Glas wird maßstabsgetreu auf die Leinwand übertragen, nur die Farbnuancen ändern sich. Der Name dieser Serie, die nun mehr als 5.000 Bilder umfasst, heißt "Tag um Tag guter Tag", ein Zitat des Zenmeisters Yunmen Wenyan. Diese Serie, die das gleiche Objekt immer wieder wiederholt, ist ein persönliches Ritual, ein Befriedungsmechanismus gleich den Einträgen in ein Tagebuch: Es lässt den Fluss der Zeit spürbar werden und reflektiert den Wandel des Zustands des Künstlers in Form von unterschiedlichen Nuancierungen. Aber es ist auch viel mehr, diese Disziplin erhebt eine ästhetische zu einer moralischen Befragung: es ist der kreative Akt selbst, der das Werk mit seinen Werten durchdringt. Durch Wiederholung und die friedvolle, meditative Ausstrahlung der Bilder gelingt es Dreher die gegnerischen Konzepte von figurativ und abstakt aufzuheben.